Sub specie Absolutus - С точки зрения Абсолюта

Творческий Абсолют

Особенности искусства метамодернизма

 Метамодернистское искусство

Метамодерн представляет собой обоснование чистого искусства, а сама реабилитация метанарративов происходит через их эстетизацию.
Он создает новое искусство, которое рождается на стыке, в синтезе, в сочетании необычного и в преодолении противоположного с помощью новых средств выразительности.
Искусство метамодернизма основано на всепроникающем колебании, раскачивании и сочетании между противоположными художественными стратегиями: утопизмом и прагматизмом, детской наивностью и отрицающей саму себя иронией, декларативной простотой и странностью.
Метамодернистские художники вводят реципиента в неудобную и непривычную среду, в которой реципиент, выходит из зоны комфорта, испытывает смысловой диссонанс и обретает новое состояние сознания и новое видение.
В то же время его целью является не только расшатывание старых паттернов восприятия, но и формирование целостного видения, способного свободно совмещать противоположные установки, эмоции и стили, объединять эмпирическую и виртуальную реальности.

Искусство метамодернизма основывается и пронизывается такими его ключевыми философскими принципами и чертами, как единство трансцендентного и имманентного, действительного и виртуального, а также открытость, целостность и всевосприятие, романтизм, чувственность, внимание к внутреннему миру, искренность, наивность и постирония.

Основные характеристики искусства метамодернизма

1. Резкое возростание роли интерактивности, которая оохватывает все сферы человеческого существования, в том числе культуру и искусство (Алан Кирби).
2. Сам «текст» и произведения метамодернизма характеризуются интерактивностью, гиперэфемерностью и нестабильностью.
3. Радикальное изменение отношений между автором и реципиентом, которые уже абсолютно безразличны как к фигуре другого автора, так и к авторству как таковому.
4. Возрастание значимости роли и позиции автора, который приобретает большую активность не только в создании произведения, но и самого контекста, который вступает в диалог с читателем, обращается к его непосредственному жизненному опыту и реальной обыденной жизни.
5. Рост активности со стороны потребителя культурных и художественных ценностей, который начинает воздействовать на воспринимаемый объект.

 Метамодернистский художник

Архетип современного художника восходит к авангардисту начала прошлого века, стратегия  и сверхцель которого, состоит в разрыве с предшествующим контекстом искусства и «квантового скачка» на совершенно иной уровень. Творческая индивидуальность метамодернистского художника устремляется к поиску совершенного бытия. Он находится в состоянии постоянной романтической игры, порождая эстетико-чувственную реальность. (Теймур Даими, «Манифесте нон-актуального»).

«Мир пробуется на прочность, художники видят свою задачу в том, чтобы показать зрителю условность происходящего, расширить границы его представлений, максимально раскрыть восприятие» (Евгений Молодцов).

 Основные художественные стратегии метамодернизма

Многие стратегии метамодернизма зародились намного раньше, чем появился термин «метамодернизм». Множественность этих стратегий отражает множественность структур восприятия.
Вермюлен и Аккер выделяют три художественные практики метамодернизма: романтический концептуализм, перформатизм и «quirky cinema», в которых они видят осцилляцию между иронией и энтузиазмом.

1. «Романтический концептуализм» (Автор Йорг Хейзер, «Романтический концептуализм», Romantic Conceptualism, 2008).
Романтический концептуализм – это художественный стиль метамодернизма, основанный на выражении метамодернистской восприимчивости. В эпоху метамодернизма рациональное концептуальное искусство замещается аффективными сентиментальными абстракциями. Романтический концептуализм предстает как тенденция в концептуальном искусстве, как современном, так и старом, заменяющая рациональное эмоциональным, а расчет – логикой совпадений. (Йорг Хайзер).

2. Перформатизм (Автор Рауль Эшельман, «Перформатизм, или Конец постмодернизма», Performatism, or the End of Postmodernism, 2001).
Перформатизм определяется как акт преднамеренного, умышленного самообмана, которой предполагает веру во что-то наперекор себе.
Это манифестация правды, которая не может быть правдой, создание целостной, когерентной идентичности, которая не может существовать.
Этим объясняется возрождение интереса к теологии и религиозной тематике в искусстве и, в частности, в живописи.

3. «Qirky» (Автор Джеймс МакДауэл , «Заметки о Quirky », Notes on Quirky, 2010).
«Qirky» (Причудливый) - художественная стратегия и стиль метамодернизма, особенная эстетическая «чувственность» проявляющаяся прежде всего в кино. Данный стиль лежит между холодной цинично отстранённой иронией и вовлеченной искренностью.
В кинематографе «quirky» проявляется как комбинация стилей, смешение мелодрамы с комедией, как поток искренности, сдерживаемый иронией, эстетическая чувственность и небрежность, упрощенность и ненатуральность, фарс и невинность. Данная художественная установка проявляется различными способами, в частности как комедия «с каменным лицом» или как комедия «смущения».

Другие художественные направления и стили метамодернизма:

1. Стакизм – панк-живопись, или фигуративная живопись в противовес концептуальному искусству. Стакисты выступают против концепции антиискусства и заявляют, что именно они становятся преемниками настоящего искусства.

Данное международное движение в искусстве было основано в 1999 году в Великобритании художниками Билли Чайлдишем и Чарли Томсоном. В этом же году ими был опубликован манифест движения «Стакисты» (The Stuckists). В нем формируется основная идеология стакистского движения: против концептуализма, гедонизма и культа эгоизма художника. 

2. Ремодернизм — направление в современном искусстве, возрождающее аспекты модернизма, особенно в его ранней форме.
Основатели стакизма Билли Чайлдиш и Чарльз Томсон 1 марта 2000 года выпустили новый манифест «Ремодернизм» , в котором заявили, что намерены заменить «утопающий» постмодернизм ремодернизмом, построенном на более глубоких, истинных ценностях модернизма и духовных, а не религиозных, ценностях в искусстве, культуре и обществе.
Манифест призывал к возрождению творческого восприятия, аутентичности и самовыражению, отстаивал поиск истины, знаний и смысла и бросал вызов формализму.

 Манифест ремодернизма

Билли Чайлдиш, Чарльз Томсон.  «К новой духовности в искусстве».

 В течение 20 века модернизм постепенно сбивался с пути, пока, наконец, не провалился в яму постмодернистского вздора. Именно в это время Стакисты, первая Арт-группа Ремодернизма, объявляет о рождении ремодернизма.

1. Ремодернизм берет исходные принципы модернизма и по новому применяет их, выделяя видение в противоположность формализму.

2. Ремодернизм являясь скорее инклюзивным, чем исключительным, приветствует художников, которые стремятся познать себя и находят себя через художественные процессы, которые стремятся соединять и включать, а не отчуждать и исключать.
Ремодернизм поддерживает духовное видение отцов-основателей модернизма и уважает их смелость и честность в отражении и изображении страданий человеческой души с помощью нового искусства, которое больше не подвластно религиозным или политическим догмам и которое стремится предоставить голос всей гамме человеческой психики.

3. Ремодернизм отвергает и заменяет постмодернизм из-за его неспособности ответить или обратиться к любым важным вопросам человеческого бытия.

4. Ремодернизм воплощает духовные глубины и смыслы и кладет конец эпохе научного материализма, нигилизма и духовного банкротства. 

5. Нам больше не нуждаемся в унылом, скучном и безмозглом разрушении условностей, нам нужно не новое, а вечное. Нам необходимо искусство, которое объединяет тело и душу и признает устойчивые и основополагающие принципы, которые поддерживали мудрость и понимание на протяжении всей истории человечества. Это и есть правильная функция традиции.

6. Модернизм так и не реализовал свой потенциал. Бесполезно использовать приставку «пост-», после того, что изначально даже должным образом не было раскрыто. Ремодернизм - это возрождение духовного искусства.

7. Духовность - это путешествие души по земле. Ее первый принцип - это заявление о намерении взглянуть правде в глаза. Истина - это то, что есть, независимо от того, что мы хотим видеть. Быть духовным художником означает неуклонно обращаться к нашим проекциям, хорошим и плохим, привлекательным и гротескным, к нашим сильным сторонам, а также к нашим заблуждениям, чтобы познать самих себя и тем самым наши истинные отношения с другими и нашу связь с божественным.

8. Духовное искусство - это не сказочная страна. Речь идет о том, чтобы овладеть грубой фактурой жизни. Речь идет о том, чтобы обратиться к тени и подружиться с дикими собаками. Духовность - это осознание того, что все в жизни предназначено для высшей цели.

9. Духовное искусство - это не религия. Духовность - это стремление человечества понять себя и найти свою символику через ясность и целостность своих художников.

10. Создание истинного искусства - это желание человека общаться с собой, своими собратьями и своим Богом. Искусство, которое не решает эти проблемы, не является искусством.

11. Следует отметить, что техника продиктована и необходима только в той степени, в которой она соизмерима с видением художника.

12. Работа ремодерниста - вернуть Бога в искусство, но не того Бога, каким был раньше. Ремодернизм - это не религия, но мы считаем, что необходимо восстановить ее значение как энтузиазма (от греческого en theos - быть одержимым Богом).

13. Истинное искусство - это видимое проявление, свидетельство и помощник в путешествии души. Духовное искусство не означает рисование Мадонн или Будд. Духовное искусство - это изображение того, что трогает душу художника. Духовное искусство не всегда выглядит очень духовным, оно похоже на все остальное, потому что духовность включает в себя все.

14. Зачем нам нужна новая духовность в искусстве? Потому что смысловое общение - это то, что делает людей счастливыми. Быть понятым и понимать друг друга – это то, что делает жизнь приятной и полноценной.

Резюме

Для любого человека с незагроможденным умом совершенно очевидно, что то, что сейчас со всей серьезностью выдвигается правящей элитой как искусство, является доказательством того, что рациональное развитие всей совокупности идей пошло наперекосяк.
Принципы, на которых был основан модернизм - разумны, но выводы, которые были сделаны из него в сейчас, абсурдны.
Мы устраняем эту бессмысленность, для того чтобы целостность искусства была достигнута, а этот дисбаланс устранен.
Пусть не будет сомнений, что в искусстве наступит духовный ренессанс, потому что искусству больше некуда идти. Наказ стакизма заключается в том, чтобы начать это духовное возрождение прямо сейчас.

3. Реконструктивизм - это характерная черта и направление метамодернизма, которое проявляется как противоположность деконструктивизму и представляет собой возрождение идей конструктивизма, утверждение приоритета функции над содержанием.
Реконструктивизм основывается на рекомбинировании или реконструкции системы, которая разбиваются на мельчайшие значимые элементы, служащие материалом для построения новых систем. Художественное произведение реконструктивизма основывается на деконструированных элементах старых произведений, по новому комбинирует в оригинальные композиции.
Реконструктивистское произведение искусства объединяет традиции модернизма и деконструктивистские техники, сочетает в себе гармонию и простоту форм классицизма с оригинальностью деконструктивизма. Целью реконструктивизма является пробуждение чувства реальности в мире симукляров и иллюзий. (Крис Сунами, «Реконструктивистское искусство», «Art Essays: Reconstructivist Art»)

4. Новая Искренность – ключевая характеристика и отдельное направление метамодернизма, представляющее собой целенаправленный уход от иронии и цинизма эпохи постмодернизма и провозглашения ценностей гуманизма, искренности, мягкости и доверчивости. Данный стиль отвергает ироническую отстраненность и утверждает приоритет искренности над подлинностью.
5. Новая Странная Америка (New Weird America) – музыкальный жанр мтамодернизма, предполагающий возвращение народных традиций, или фолк-ренессанс. Его связывают с возрождением психоделического рока и фолка 1960-х и 1970-х годов в США и обозначают как стиль психоделической инди-музыки начала 21-го века. Помимо психоделического рока, этнической и американской народной музыки, он также черпает вдохновение в таких разнородных источниках, как фри-джаз, метал, хип-хопа, соул, электронная музыка, нойз, конкретная музыка, tropicália, а также в «outsider music», часто исполняемой технически наивными и социально отчужденными музыкантами.

Стратегии, примеры и стили искусства метамодернизма

Метамодернисты в своем творчестве свободно пользуются стилями, методами и приемами всех своих предшественников, придавая им новые импульсы и смыслы.

1. Единство приземленной реальности и таинственной ирреальности, естественности и сверхъестественности, подлинного и фантастического.
• сосредоточенность на повседневности, отсылающей к трансцендентному;
• вымышленность мира скомпонованного из элементов реальности;
• использование клише мистицизма, отчуждения и изоляции для выражения потенциальных альтернатив;
• страстное стремление к бесконечности;
• фиксация на будничном возвышенном;
• использование ритуалов, мифологических образов и сюжетов.

2. Сочетание пустоты и множественности альтернатив.
3. Вторичное заимствование культуры у природы.
4. Колебание, осцилляция, сверкание, пульсация, мерцание противоположных сущностей и стилей.
5. Необъяснимость и прозрачность, глубина смыслов и наивность.
6. Сочетание гротескности и искренности, глубины и простоты
7. Романтическая чувственность, сознательное решение пытаться быть уязвимыми.
8. Наивность, чистота, пробуждение простодушия и невинности детства, принятие и проявление подлинных чувств, разрешение себе быть прямым и наивным.
9. Искренность, аутентичность, спонтанность, свободное самовыражение, способность чувствовать и тут же говорить о своих чувствах.
10. Повторяемость паттернов, тиражируемость и самовоспроизводство образов и текстов, согласование постоянного и преходящего, ритуальная практика повторения, «дление» аффекта, длящиеся амбивалентные эмоции, повторяющиеся, длительно переживаемые статичные чувства.
11. Минимализм как основной прием, художественное средство в эпоху пресыщения информации.
12. Органическое сочетание множественности форм искусства и широкого разнообразия стилей. 

Представители различных видов искусств

1. Изобразительное искусство и художники
Изобразительное искусство метамодернистов наглядно представлялось в течении Нового романтизма, самыми яркими представителями которого являлись такие художники, как Олафур Элиассон, Джеймс Таррелл, Рагнар Кьяртанссон, Хо-Йон Шин, Кэй Донэчи, Дэвид Торп, Питер Дойг, Ая Такано.

1. Известный датско-исландский художник Олафур Элиассон (Olafur Eliasson, род. 1967) творит на стыке науки и искусства и создаёт иллюзии из света, базирующиеся на ощущениях, воспоминаниях и фантазиях, порождает огромные осязаемые пространства, с которыми активно взаимодействуют зрители. При этом человек сталкиваясь при созерцании его картин со стилистическим диссонансом,  имеет возможность получить новый опыт – опыт ирреальности и ясности, необъяснимого и мифического.
Олафур использует в своих работах свет, пар, воду, туман и зеркала для создания световых и природных инсталляций в закрытом помещении, поражающих своей монументальностью, гармоничным и естественным совмещением природного и искусственного.
Он много путешествует по миру и запечатлевает природные явления, вскрывая экологические проблемы и помогая понять, как важно участие каждого в судьбе планеты. Большое количество его работ, представляющих помещённую в искусственную среду природу, посвящены глубинной связи человека и среды, осознанности и ответственности человека за свои поступки.

 Olafur Eliasson, «Beautiful»

   
 Olafur Eliasson, The Weather Project  Olafur Eliasson,  1 m3 light (1999)

 

2. Исландский мастер перформанса, художник, музыкант Рагнар Кьяртанссон (Ragnar Kjartansson, род. 1976) в своем творчестве, следуя духу метамодернизма, балансирует между искусством и жизнью, фантазией и реальностью, пафосом и юмором комедии и трагедии. Общее трагикомичное настроение и эстетика романтизма прослеживаются во всём его творчестве. «Жизнь печальна и прекрасна, и моё искусство во многом основывается именно на этом факте. Я люблю саму жизнь и одновременно её безысходность»
Использование Кьяртанссоном длительных, повторяющихся действий для обуздания коллективных эмоций является отличительной чертой его практики и повторяется на протяжении всей его работы.
Такие эксперименты-перформансы, где музыка, видеоинсталляции, рисунки и картины, визуальное и поэтическое начало соединяются в единое высказывание — своеобразный язык художника. 
Рагнара Кьяртанссона «Sorrow conquers happiness» («Печаль победит счастье») в том, что в течение многих часов Рагнар под аккомпанемент оркестра повторяет одну единственную фразу: Sorrow conquers happiness. Данная фраза обладает очевидной двусмысленностью: в этой многочасовой борьбе счастья и скорби не совсем понятно, кто кого побеждает?

3. Американский художник Джеймс Таррелл (James Turrell, род. 1943) создает световые инсталляции, погружая зрителей в реалии чистого опыта, тем самым вызывая изменения в восприятии, которое способствует открытию нового опыта.
Произведения Джеймса Таррела, созданные с помощью цвета, оптических эффектов, света и пространства открывают новые возможности для сенсорного восприятия реальности. Они не является иллюзией или обманом, они сами являются удивительной реальностью. 
«Вот уже много лет я пытаюсь разгадать, можно ли доверять собственной способности воспринимать окружающий мир или все не то, чем кажется. Реакция человека во время сеанса может быть непредсказуемой. У кого-то кружится голова, кто-то, наоборот, в полном восторге — ведь внутри капсулы свет буквально пульсирует и человек может видеть сны наяву, с открытыми глазами. Я называю это внутренний свет».
Он работает со светом и манипулирует им как скульптор глиной. Он смотрит на него как на материал и субстанцию, которую нельзя потрогать руками, но можно увидеть, почувствовать и превратить в форму. Художник создает работы, которые свидетельствуют о расхождении между знанием и восприятием. 
В серии работ Tall Glass художник добавил временной элемент. Каждая работа состоит из светодиодов, запрограммированных менять цвет с течением времени, по аналогии с изменением цвета неба. Зритель видит только крупные, плавучие, тонко меняющиеся области света.

James Turrell, Skyspace

4. Британский художник Питер Дойг (Peter Doig, род. 1959) в своих работах следует традициям фигуративной живописи, однако элементы абстракции, фантазии и потустороннего, которыми пронизаны его произведения позволяют отнести творчество художника к магическому реализму и метамодернизму.
Питер Дойг пишет не с натуры, а по памяти, используя также фотографии и старые открытки. Главное для него — не точное воспроизведение природы, а передача собственных ощущений от какого-либо места и  фантазий, связанных с ним.
Художник любит изображать дикие, пустынные места, где видны следы присутствия человека. Ощущение потусторонности и фотографичности изображения, плавное перемещение между ясной реальностью и абстрактным заблуждением характеризует данные произведения.

Peter Doig, Red House


Peter Doig, Daytime astronomy (1998)

5. Корейский художник Хо-Йон Шин
 (Ho-Yoon Shin, род. 1975) известен своими изящными бумажными скульптурами, уникальность которых в сочетании хрупкости и изменчивости изображения. С разных ракурсов они выглядят неодинаково, а в какой-то момент даже исчезают.
Произведения Шина вдохновлены буддизмом и философией пустоты. «Мне интересны социальные явления, и я подошёл к их сути»,- говорил Хо-Йон Шин. Это многослойность, которая существует одновременно с пустотой, и общество, которое на первый взгляд кажется структурным и упорядоченным, но в действительности — полое внутри».


Ho Yoon-Shin

6. Южноафриканский художник Дэвид Торп (David Thorpe, род. 1972) начал свою карьерой в области рекламы, сочетающей элементы поп-арта и классической портретной живописи. Его работы следуют модернистским принципам творчества, правилам создания японской гравюры, законам дизайна и искусства ручной работы.
«Я играю с определенными ассоциациями, немного нью-эйджем, немного космической эрой, немного угрожающим ...» - писал Дэвид Торп.

David Thorpe, Covenant of the East (2003)

7. Современная шотландская художница Кэй Доначи (Kay Donachi, род. 1970) известна своими приглушенными, скромными, фигуративными картинами.
Кэй Доначи исследует историю противоположных культур, а в ее работах соседствуют правда и вымысел, загадочность и реалистичность. «В картинах характер и описание времени и места дрейфуют между мечтой и реальностью, когда день переходит в ночь», - писала о своих работах художница. В ее произведениях прослеживается влияние романтизма, при этом сама она сосредотачивается на женских образах и фигурах.                                                                 


   Kay Donachi, The Adored, 2019

8. Японская художница Ая Такано (Takano Aya, род.1976) творит в стиле Superflat, представляющем смесь инфантильных образов из японских анимэ, сюрреалистических деталей и поп-арта. При этом картины Такано напоминают иллюстрации к детским книгам о фантастических мирах, которых никогда и не существовало. В своих работах Такано обычно изображает девочек-подростков, погруженных в мир научной фантастики и мечты будущего, создавая тем самым свою собственную мифологию, свободную от цепей реальности.


9. Американский художник Адам Миллер
 ( Adam Miller, род. в 1979) в своем творчестве исследует пересечение между мифологией, экологией и гуманизмом. Его сюжетные картины вдохновлены творчеством художников барокко и эллинизма.

Adam Miller, End of the road (Among the Ruinsad, 2012)

10. Канадский художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth, род. в 1981) создает картины, которые изображают пейзажи в тишине и тревоге, в атмосфере погони за властью и богатством, невежества и войны.  
Он черпает визуальное вдохновение из творчества различных классических художников и старых фламандских картин. Символизм и
Пропитанная символизмом и намёками на современные темы, проблемы и страхи, работа Виттфута пытается привлечь как взгляд, так и разум зрителя: приглашение насладиться эстетикой, но также подумать о том, что может лежать под ней.

Martin Wittfooth, Rainsong (2015)

11. Шведско-американский художник Билли Норрби (Billy Norrby) работает с совершенно новыми живописными мифологиями.
Он создает работы, основанные на классических стилях прошлых эпох, но помещенные в апокалиптическую среду будущего. В его картинах классическая эстетика сочетается с темами современных потрясений. Реалистистическа манера письма и глубокий символизм, заложенный в картинах хужожника позволяют передать особенности проявления человеческой природы на рубеже 20 и 21-го века, когда сильная женщина становится центральной фигурой, а средний человек - героем. 

Billy Norrby

12. Английская художница палестинского происхождения Мона Хатум (Mona Hatoum, род. 1952) создает серии перформансов и работает в основном в жанре инсталляции.
В центре внимания художницы была тема человеческих взаимоотношений, раскрытие того, как они зависят от класса, пола, расы, как они меняются и зависят от культурных различий и миграции. 
Работы Моны Хатум преимущественно минималистичны по форме. В своих скульптурах Хатум трансформировала знакомые повседневные объекты и домашние предметы, такие как стулья, детские кровати и кухонную утварь, в вещи незнакомые, пугающие и опасные.
Mona Hatoum, Remains to be Seen (2019)

13. Южно-африканская мультимедийная художница Динео Саше Бопапе (Dineo Seshee Bopape, род. 1981) создает нестандартные инсталляции и экспериментальные видео-работы, связанные с социально-политическими событиями и представлениями о памяти. В своих инсталляциях она свободно использует видеомонтажи, звук, случайно найденные предметы, фотографии, скульптурные композиции.
В своем творчестве она исследует свойства виртуальных пространств, наполненных звуками, фотографиями, абстрактными изображениями и анимациями.

Dineo Seshee Bopape, Earth (2017)

14. Финская художница Пилви Такала (Pilvi Takala, род. 1981) смешивает в своем творчестве реальность задокументированых действий с постановочной портретной живописью.
Использование в перфомансах скрытой камеры позволяет узнать о неявных правилах социальной ситуации. Ее работы сливаются с окружающей средой, которая, казалось бы, не имеет ничего общего с художественной реальностью.
В своих перфоменсах Такала исследует конкретные сообщества для изучения социальных структур и ставит под сомнение нормативные правила поведения.
В инсталляционно-видеопроекте «Стажер» (2008) Такала тайно снимала себя сидящей неподвижно в оффисе и ничего не делая или катаясь целый день в лифте во время стажировки в отделе маркетинга фирмы Deloitte. Работа была направлена на то, чтобы встряхнуть повседневную жизнь в офисе и показать реакцию других сотрудников на нетрадиционные формы поведения.

15. Шотландский художник Чарльз Эйвери (Charles Avery, род. 1973) свою художественную практику посвятил описанию эпической вымышленной земли или воображаемого острова "Айлендерс". Взяв за основу ряд философских теорий, Эйвери создал своего рода метафизическую муравьиную ферму. Через рисунки, скульптуры, чертежи, модели, диаграммы и тексты, Эйвери описывает топологию и космологию жителей этой вымышленной территории, где, как считается, обитает неизвестный зверь по имени Ноумен.

Ноумен - это воплощенная концепция Иммануила Канта, описывающая непознаваемую вещь, которую нельзя наблюдать с помощью органов чувств, а только вообразить или во что поверить. Это спорное животное, существование которого не подтверждено, но которого охотники острова неустанно ищут. 
Проект можно рассматривать как размышление о некоторых из центральных тем философии создания искусства, о формальной красоте философского исследования, а также о колонизации смысловых пространств и овладении миром идей.

Остров как яркое место постоянно меняющегося существования, непрекращающаяся диалектика которого неизбежно приводит к экзистенциальному тупику. 

Charles Avery

16. Голландский кинорежиссер и художник Гвидо ван дер Верве (Guido van der Werve, род. 1977) в своих работах полагается не на слово, но на эмоции и интуицию, которые есть методами романтизма. Ван дер Верве – музыкант, спортсмен, бегун и триатлонист. Он пытается создавать визуальное искусство, которое столь же непосредственно и динамично как и музыка.  «…визуальное искусство дает мне свободу действий. - говорит Гвидо. - Я не буду выдающимся композитором, атлетом или кинорежиссером, но я могу соединить все это в искусстве и сделать что-то уникальное».

17. Немецкая художница Паула Дёпфнер (Paula Doepfner, род. 1980) создает рисунки, перформансы и предметы из стекла и льда. Содержание, составляющее основу этих работ, - документы и литературные тексты. В произведениях Паулы Допфнер сочетается реальность и утопии, научные методы и и поэтические подходы.
Рисунки появляются из крошечных рукописных отрывков из поэтических или нейробиологических текстов. В творчестве Паулы Допфнер сочетаются прочные и хрупкие материалы, научная строгость и поэтическая открытость. Разбитое стекло или тающий лед окружают органические вещества, сушеные растения прячутся за битым стеклом.
Эти работы противодействуют несоизмеримости эмоций и идей и раскрывают невозможность когда-либо полностью понять жизнь ум.


18. Немецко-ирландская художница Марихен Данц (Mariechen Danz, род. 1980) известна своими рисунками, скульптурами, инсталляциями и перформансами. Марихен Данц стремится к большим темам - в ее творчестве изобилуют вопросы о природе знания, миф об объективности и взаимосвязи между телом и письмом.

Каждая деталь вызывает недоумение сразу: ее отлитые из смолы органы, красочные гуманоиды и таинственные карты доказывают, что знание может быть  физическим, а не основываться на универсальных истинах. Тело, маркер субъективного, для многих является одним из последних terrae incognitae. «Все предполагают, что знают свое тело, но, по моему опыту, большинство людей не знают, как функционирует их тело. Это действительно уникальный язык».

В скульптурах, рисунках, дизайне костюмов и перформансах она ставит под сомнение выразительные способности языка, разборчивость и иерархию знаков, а также примат западных концепций разума. Тело становится метафорой и  источником знания. Мариехен Данц исследует окончательный провал коммуникации: «Язык мне не друг», - говорит она. «Я никогда не чувствовал, что 26 букв латинского алфавита достаточно». 

Mariechen Danz, Bodyydob

19. Итальянская художница Моника Бонвичини (Monica Bonvicini, род. 1965) известна своими рисунками, фотографиями, инсталяциями и видео. Кроме этого она является университетским профессором, теоретиком искусств и ученым, исследующим отношения между архитектурой и пространством, властью, полом и сексуальностью.
Ее работы ставят под сомнение гибкость и возможности языка для создания произведений искусства, а также ограничения творческого прцесса связанные со словом. Ее исследования углубляются в психоанализ, феминизм, дизайн и урбанистику, а в ее произведениях часто используются язык и текст, юмор и ирония.
Бонвичини работает с различными материалами, не ограничиваясь гипсокартоном, сталью, полиуретаном, металлом, цепями, деревом, аэрозольной краской, алюминием, чернилами, темпера, бетоном и стеклом.

Monica Bonvicini, She lies  (2010)

20. Современная ливанская художница Аннабель Дау (Annabel Daou, род. 1967). Ее творчество включает скульптуру, конструкции, звуковые фрагменты, перформанс и рисунок, часто с дополнительным влиянием письма и литературы. Ее художественная практика осуществляется на стыке письма, речи и невербальных способов общения.
Работы Дау часто строятся из легких, на первый взгляд эфемерных материалов, которые одновременно указывают на ощущение объектности и противостоят ему. Источниками ее творчества являются литературные и художественные образы, а также собственные восприятия и опыт. В своих работах она исследует и отражает неосязаемую связь человека со временем и присутствием.

Annabel Daou, I Don't Care About Your Body (2016)

21. Английский художник Энди Холден (Andy Holden, род. 1982) исследует пересечения искусства в различных областях, а ее работы включают скульптуру, большие инсталляции, живопись, музыку, перформанс, анимацию и многоэкранные видео. «Большая часть моей работы - это верность тому, что кажется правильным, а не объективной истине».
                                 Andy Holden, Neon Parc (2010)

22. Боснийская визуальная художница Шейла Камерич (Šejla Kamerić, род. в 1976) работает с различными художественными формами как видио, фотография, объекты и рисунки, которые, часто проникнуты тревожными воспоминаниями.
Основываясь на ее собственном опыте прошлого, воспоминаниях и мечтах, настаивая на том, что тонкое и возвышенное не отодвигается катастрофами или невзгодами. Скорее они существуют одновременно: грусть и красота, надежда и боль. Творчество художницы это способ преодолеть ужасы, травмирующие события,  это источник яркой, жизнеутверждающей силы и стойкости человеческого духа.

Sejla Kameric, Keep Away from Fire Conflicts Drugstore Belgrade

23. Эстонская художница Крис Лемсалу (Kris Lemsalu, род. 1985) в своих эксцентричных инсталяциях в и материалах, использует яркие разноцветные объекты, реквизиты, костюмы и другие натуральные материалы.
Играя с традициями, Лемсалу размывает истоки и живописно устраняет их догмы. Она избегает «конкретных ярлыков, одновременно показывая нам абсурдность и эффективность ритуалов».
Крис Лемсалу собирает вместе собранные и созданные объекты в тотемные скульптуры и галлюцинаторные среды, оживленные выступлениями художницы и ее коллег.  В ее постановочных инсталляциях изящные фарфоровые скульптуры, отлитые в виде частей тел животных и людей или предметов одежды, сочетаются с найденными натуральными материалами, такими как мех, кожа или шерсть.
Кроме того, в ее любимых предметах сочетаются скульптурные керамические детали и сшитые вручную драпировки со всем, что есть в потребительском обществе, например, с компакт-дисками, цветами, корзинами, ботинками, одеждой, воздушными шарами, дверями автомобилей, мелочами, краской.

24. Швейцарско-немецкая художница Исса Сант (Issa Sant, род. 1975) в своих произведениях демонстрирует тела, лишенные социальной или индивидуальной защиты и изучает человеческие состояния во всей их уязвимости, жестокости и красоте.
Безымянные фигуры обнажены радикальным образом: мышцы, кости и плоть объединяются в нежные и хрупкие фигуры, которые, кажется, выходят из белого окружения.
Беззащитная открытость обнаженных тел сбивает с толку и утешает одновременно: без каких-либо ограничений, изоляция и близость становятся видимыми и проявляются как желание и боль, печаль и надежда.

Issa Santб Night of the hunter (2009)

25. Польско-немецкая художница Ангелика Й. Тройнарски (Angelika J. Trojnarski, род. 1979), картины которой являются результатом абстрактного творческого подхода и не предлагают четкого повествования или информации.
Тройнарски находит исходные изображения для своих картин в технологических музеях, где они обычно являются частью образовательных или исторических экспозиций.
В ее работах воплощаются такие идеи, как легкость, подвижность и статичность, невесомость, энергия и высота, которые можно рассматривать как конкретно, так и метафорически. На снимках Тройнарски запечатлела молнии, необычные облачные образования и тающие айсберги. Контрасты переливающихся и сияющих красок, она передает  процессы трансформации и  изменения состояний исследуемых объектов.

Angelika J. Trojnarski, Slingshoti

26. Ангийский художник Люк Тернер (Luke Turner, род. 1982) является автором «Манифеста метамодернизма» (2011). С 2014 года работает в составе трио художников LaBeouf, Rönkkö & Turner, включающего также американского актера и художника Шайа ЛаБаф, финской художницы Насти Сэде Рёнккё. Их перформансы исследует связь, эмоции и сотрудничество на цифровых и физических платформах.
«Однако мы видим, что наша практика работает против развращающих аспектов технологий, и мы проявляем своего рода осознанную наивность. Итак, наше предложение состояло в том, чтобы попытаться создать что-то, основанное на доверии к людям, сообществу и коллективном желании предложить что-то значимое» - говорит Люк Тернер.

     

                                                                       Luke Turner, Ontic Order

27. Финская художница Настя Сяде Рёнккё (Nastja Säde Rönkkö, род. в 1985), работы которой были представлены на нескольких выставках в ключевых галереях и музеях, включая EMMA, Музей современного искусства Эспоо и Музей современного искусства Киасма. «У меня нет какой-то специфической цели,- говорит она, - нет задачи, чтобы мои работы утверждали что-то конкретное. Скорее я хочу, чтобы они порождали в зрителях вопросы: например, о социальных ситуациях, о том, как мы в них себя ведём, об эмоциях и том, как эмоции влияют на людей, о том, что ничто само собой не разумеется, что на самом деле многие вещи мы ощущаем так, как нас научили или как мы привыкли их ощущать в контексте нашей культуры».

 

28. Нидерландский художник и скульптор Питер Янсен (Peter Jansen) известен своими "Скульптурами в движении". Для их создания он использовал большое разнообразие типов снимков, а затем манипулировал ими и объединял их в одно изображение.  
                               Peter Jansen

29. Украинские художники Таня Щеглова (Tania Shcheglova, род. 1989) и Роман Новен (Roman Noven, род. 1984)  участники арт-дуэта Synchrodogs. В своих снимках-перфоменсах они стремились передать личный возвышенный опыт, вызванный природной средой, стирающий грань между реальным и воображаемым, чтобы заново открыть собственные возможности и пределы энергии.
Их проекты имеют дело с интуицией, подсознанием, природными явлениями, некоторыми человеческими сущностями, которые не могут быть объяснены наукой. Они основаны на мечтах и снах авторов.
Их работы это бесстрашное исследование и погружение внутрь себя, в своё подсознание, прыжок прямо в неизведанное, это баланс на грани сна и реальности.


30. Украинская художница и дизайнер Маша Рева (Masha Reva, род. 1987) создает самые разнообразные работы и проекты, включающие фото, видео, иллюстрации, перфомансы, коллекции для именного бренда одежды, украшения, маски из различных материалов, декорации к съёмкам, постановкам и показам.
Ее работы пронизаны самоиронией и искренностью, игрой, неограниченной фантазией, мечтами и творческим вдохновением. Ее творчество не ограничено никакими рамками, наполнено обращениями к природе, контрастами и смелыми, неожиданными решениями.
Источниками вдохновения для Маши служат старые фотографии, и предметы из обыденной жизни, произведения искусства, этно мотивы, люди, сама хаотичность и человеческое тело, которое служит не только моделью для самих рисунков, но и как холст для них. Как дизайнер она расписывает тела моделей так, что они органично сливаются с принтами на одежде. Искусство она понимает как способ коммуникации, игру, азарт, способность придумывать новые способы провокации для аудитории. Она советует молодым художникам: «Не бояться смелых поступков и всегда думать, как можно использовать то, что вы производите, как это можно применить, как трансформировать. Пластичность и дальновидность, вы должны чувствовать чего не хватает и делать это».

     

31. Британский художник и графический дизайнер Томас Робсон (Thomas Robson) создает свои работы, совмещающие в себе черты классической живописи и компьютерную графику. Художник берет работы классических художников и с помощью ярких мазков и брызог красок, скрывает лица главных героев, представляя исходные изображения в цифровом виде. Робсон с иронией называет данный процесс «порчей» шедевров или «искусством обезображивания».

В своей художественной практике он разрабатывает искусство столкновений, чтобы противостоять принятой эстетике и критически переоценивать образы в визуально насыщенном мире. В спонтанности творческого потока он создает новые пересечения формы и цвета.
Изображения демонстрируют временную двойственность и направлены на то, чтобы не дать зрителям отличить вымышленный мир от реального.  
                       Thomas Robson

2. Фотография и фотографы

1. Американский художник и фотограф Крис Энгман (Chris Engman, род. 1978) создаёт красивые, тонкие и чистые инсталляции на основе фотоколлажей и изображений. Он помещает снимки на то же место, где они были сделаны и потом вновь их фотографирует, тем самым соединяя прошлое и настоящее, создавая завораживающий мир иллюзий. Свои работы Крис Энгман называл «простыми устройствами для персонального Пробуждения».
Его работы отличаются естественностью, правдивостью, простой ясностью, многозначностью и смысловой глубиной.
Огромные фотообои с лесами, полями и облаками наклеивались на стены, а концептуальные изображения оцифрованной, отстранённой и холодной природы создавали сюрреалистичный эффект.
Для своих инсталляций он использует зеркала, досок, зеркал, теней и обычных предметов, фотографии, простые материалы для создания объектов, которые изменяют порядок вещей и привычную логику пространства. 

Chris Engman, Containment (2018)

2. Английский фотограф Доменик Хоугуд (Domenic Hawgood, род. 1988) работает на границе между реальностью и ее симуляцией, восприятием и конструированием, фактом и вымыслом, подлинностью и искусственностью, фотографией и абстрактными идеями.
Он реконструирует личные ощущения, эстетизирует обыденные объекты, отдельные церемониальные атрибуты и жесты.
В своих работах Доменик Хоугуд по-разному представляет обычные житейские темы, погружает зрителя в переживание нового «3D-опыта» и дела вещи наиболее реальными с помощью компьютерной графики, 3D-визуализации и светотехники.


3. Современный американский фотограф Грегори Крюдсон (Gregory Crewdson, род. 1962) работает в фотографической традиции, которая сочетает документальный, обнажающий действительность стиль с сюрреалистичными сценами и вымышленными образами.
Его образы часто меланхоличны и двусмысленны, они реалистичны, но в то же время поражают своей отчужденностью и недосказанностью. Они стирают границы между вымыслом и реальностью, обыденностью и фантазией, между нормой и ужасом.
В его фотографиях, напоминающих кадры из фильма, тщательно разработаны детали, подобраны цвета и рассчитаны действия света и тени.
На его снимках изображены пугающие своей реалистичностью и аполкалиптичностью сцены американской действительности: брошенные автомобили с открытыми дверями, яркий таинственный луч, женщина, плавающая в собственной комнате, влетевшее в окно дерево с корнями. Одинокие люди на них погружены в молчание, пребывают в гипнотическом оцепенении и избегают встречи друг друга взглядами. 

Gregory Crewdson

4. Британский фотограф, художник и кинорежиссёр Даррен Алмонд (Darren Almond; род. 1971) создает скульптуры, фильмы, фотографии и рисунки на основе своих впечатлений от многочисленных путешествий в самые экзотические места. Алмонд работает с ландшафтами, которые часто труднодоступны и изолированы от остального мира
Серия The Light Between Us объединяет работы, на которых с помощью цифрового и аналогового языков, изображены ландшафты выполненые в традициях пейзажной живописи XIX века, переосмысленные автором и воплощенные с помощью современных технологий.
Его пейзажи просты и достоверны и одновременно абстрактны, мистичны и непостижимы, они пронизаны ощущением хрупкости человеческой жизни, мимолетности и эфемерности происходящего.
Тема времени является центральной в его творчестве и проявляется в исследовании отношений между сиюминутным и вечным, между мгновением и процессом, самим временем и пространством.
Для своей серии «Полнолуние» он разработал уникальный подход к пейзажной фотографии, используя свет полной луны для создания снимков ландшафтов залитых необычным сиянием. Так, он фотографировал пейзажи на всех континентах при лунном свете, используя выдержку от 12 до 30 минут, чтобы кардинально изменить характер ландшафта.
Отдельные снимки высокоскоростного поезда соединяющего Китай с Тибетом, из его фильма «Между делом» (2006), демонстрируют буддийское видение относительности всех существ и вещей.

5. Современный немецкий фотограф и художник Томас Руфф (Thomas Ruff, род. 1958) исследует процессы, связанные с диджитализацией изображений и ее влиянием на фотографию и коллективную память. В своем творчестве он использует увеличенные изображения, загруженные из интернета, ночные снимки, сделанные с помощью прибора ночного видения, фото интерьеров немецких жилых помещений, с типичными чертами 1950—1970-х, а также видами зданий и портретов друзей и знакомых, сделанных на паспорт. При этом он использует язык, заимствованный у прикладной фотографии, вводя свои снимки в более широкие смысловые контексты. При этом, часто делает видимой лишь тень предмета, а его очертания зритель додумывает сам. 

6. Американский фотограф Жюстин Курланд (Justine Kurland, род. 1969) в своих работах преодолевает границы между знакомым, обыденным и таинственным, между культурой и девственной, дикой природой.
В серии фотографий Girl Pictures (1997-2002) главными героинями выступают девушки-подростки, освобожденные от давления общества и взрослых, проводящие свое время в идиллии первозданной природы. Одетые по подростковой моде, они органично вписываются в нетронутую цивилизацией природу, создавая свой особый, самодостаточный мир.


7. Немецкий художник Томас Деманд (Thomas Demand, род. 1964), по его собственным словам, работает между двумя полюсами известного и неизвестного, факта и вымысла, репрезентации и рекоструирования.
На его фотографиях все реально, очевидно, вещественно и, в то же время, обманчиво, иллюзорно и словно вывернуто наизнанку.
В его работах за основу берутся фотографии из журналов, газет и интернета, которые часто отражают такие скандальные события как террористические атаки, покушения, радиационные аварии, вспышки вируса.
С помощью бумаги, ножниц и клея художник создает миниатюрные макеты объектов и пространств, связанных с данными событиями. Он тщательно конструирует новую реальность, воспроизводит зафиксированную на фотографиях обстановку, расставляет разбрасывает мебель, красит стены, скрупулезно выписывает детали.
После этого он снимает созданные макеты на крупноформатную камеру, а сами макеты после съемки уничтожает.
Результатом становятся на первый взгляд реалистичные фотографии, при внимательном рассмотрении разоблачающие свою искусственность.
Полученные снимки намеренно лишены надписей, картинок и календарей, на них всегда отсутствуют люди, а вещи неподвижны и словно покрыты тонким слоем лака. Отчужденная и холодная реалистичность изображения порождает чувство неопределенности и беспокойства и выводит на новый уровень понимания зыбкости границ между реальностью и иллюзией.

Thomas Demand, Room (1995)

8. Британская художница и фотограф Тасита Дин (Tacita Dean, род. 1965) исползует в своем творчестве самые разнообразные средства репрезентации, включая кино, фотографию, рисунок, живопись, звуковую инсталляцию, найденные объекты и гравюры.
В ее работах раскрываются сложные соотношения и переходы между прошлым и настоящим, правдой и вымыслом, объективным и субъективным миром и даже пространством и временем.
Главным героем ее произведений является время, следы которого она находит на природных элементах, таких как камни и деревья, человеческих телах.
Медитативное состояние ее работ позволяет передать хрупкость человеческих усилий, вневременность, поэтичность и тихую глубину явлений природы. 

Tacita Dean. Majesty (20060

3. Архитектура и архитекоры

Метамодернизм реализуется в архитектуре с помощью различных художественных стратегий и новых строительных трендов.
Одними из наиболее ярких метамодернистских произведений в архитектуре являются проекты созданные архитектурным бюро Херцог и де Мёрон (Herzog & de Meuron Architekten). Известное архитектурное бюро было создано в 1978 году двумя уроженцами Швейцарии Жаком Херцогом и Пьером де Мёроном.
Характерными чертами их проектов, выполненных в неоромантическом стиле являются предельный минимализм, элементы готики, широкое использование таких экспериментальных таких материалов, как медные листы, натуральные продукты, горный хрусталь.
Среди их метамодернистских проектов:
Библиотека Бранденбургского Технического Университета как готический замок с прозрачным фасадом (Котбус, 2004).
Национальный стадион в Пекине («Птичье гнездо», 2008).
Музей искусств Перес Флорида, Майами, США (Pérez Art Museum Miami, 2013).
57-этажный Небоскреб на Леонард стрит, напоминающий выветренную скалу (Манхеттен, Нью-Йорк, 2015).
Башня – треугольник (Париж), огромная стеклянная пирамида без тени (Tour Triangle, 2015).
Филармония в Гамбурге, похожая на огромный айсберг (Elbphilharmonie, 2017).                                      Herzog & de Meuron, Tour Triangle  (2015)

Немецкий архитектор Ян Kляйхус (Jan Kleihues, род. 17 марта 1962) вместе со своим отцом Йозефом Кляйхуесом и Норбертом Хензелем в 1996 году основал компанию Kleihues + Kleihues Gesellschaft von Architekten.
Его самые известные проекты включают:
Федеральное Министерство Труда И Социальных Дел (2001), Отель Sofitel (бывший отель Concorde в Берлине) (2005), Жилое и коммерческое здание на Лейпцигской площади в Берлине, Штаб Федеральной разведывательной службы в Берлине (2016).

Jan Kleihues, Bundesministerium fur arbeit und soziales (2001)

 4. Литература и писатели метамодернизма

Литература метамодернизма характеризуется поворотом к человеку, ростом интереса к психологизму, сосредоточением на индивидуальности и ее опыте, единством реального и воображаемого, а также повышением значимости романтической чувственности и наивной искренности.
В качестве метода литературный метамодернизм отстаивает важность самореализации, этики подлинности, поиска своих корней и смысла пребывания в этом мире.

У истоков метамодернистской литературы находились такие писатели как Дэвид Фостер Уоллес и Марк Данилевский.
Дэвид Фостер Уоллес «Бесконечная шутка» (1996), «Всё и ещё больше: краткая история бесконечности» ( 2003), «Бледный король» (2011) на место иронии и смысловой пустоты посмодернистской литературы поставил новую искренность и доверчивость, тонкую чувственность и внимание к деталям.
Марк Данилевский в своем романе «Дом листьев» (2000) переосмысливает идеи коллажа и деконструкции постмодернизма, использует сложные и многослойные формы изложения, изменяет шрифты, направления и формы строк, влияя на визуальное восприятие и чувства.

По мнению Ли Константину эстетическое поле пост-иронии, на фоне различий между постмодернистской формой и содержанием реализуется посредством четырех творческих методов:
мотивированного постмодернизма, доверчивой метапрозы, пост-ироничного Bildungsroman и реляционного искусства.

1. К мотивированному постмодернизму отнесятся романы Ричарда Пауэрса, Джонатана Литэма, Ривки Гэлчен, Йена МакЭвана, Марка Хэддона, Джона Рэя.

2. К представителям доверчивой метапрозы относят писателей Дэйв Эггерс, Сальвадор Пласенда, Хелен Девитт, Джонатан Сафран Фоер и Зэди Смит. Доверчивая метапроза напоминает собой стиль, который Рауль Эшельман назвал перформатизмом.
Представители данного направления в своих произведениях рассматривают проблему личности, а именно того, как из спектра возможных эмоций определить что ты действительно ощущаешь, как посредством повествования передать «самость», истинный опыт и неподдельную сущность человека.

3. Пост иронией и решительным отвержением постмодернистской формы и содержания отличаются произведения представителей направления Bildungsroman (Воспитательного романа) 21 века.

Они воскрешают различные формы реализма и внимание к эмоциональному, интеллектуальному и нравственному развитию личности главного героя.
В отличие от реалистов они сохраняют иронию постмодернизма, но используют ее на новом смысловом уровне.
Главным символом данного направления является Джонатан Франзен, который в эссе «Мистер Сложный» решительно отмежевывается от постмодернизма.
К произведениям данных писателей относят: «А порою очень грустны» (2011) Джеффри Евгенидиса, «О красоте» (2005) Зэди Смит, «Огнеметы» (2013) Рэйчел Кушнер, «Бастион одиночества» (2003) и «Сады диссидентов» (2013) Джонатана Литэма, «Время смеется последним» (2010) Дженнифер Иган, «Алмазный век» (1995) Нила Стивенсона.

4. Реляционное или аффективное искусство предоставляет нам постмодернистскую реальность посредством непостмодернистских форм. Их отличает подлинность, репрезентативность и правдивость. Новая искренность сочетается с путаным сюжетом, автобиографическим контентом и явным отсутствием внутреннего содержания.
Это искусство привлекает внимание к пропасти между читателем и писателем, неспособность автора к коммуникации.
Данное направление представлено такими писателями как Тао Линем, Сэм Пинк и Мэри Кэллоуэй, Миранда Джулай и Шейла Хети, «Каким должен быть человек?»

Реляционное искусство представляет собой тот самый вид литературы, который Джеймисон имел в виду, описывая Новую искренность, в рамках которой можно быть искренними и насмешливыми одновременно.
Основными литературными жанрами в такой ситуации становятся мемуары и романы, написанные от первого лица и подкупающие своей безыскусной искренностью.
К представителям данного направления относятся писатели Доверчивой прозы: Джонатан Франзен, Зэди Смит, Дэйв Эггерс, Стивен Грэм Джонс, а также Стивен Грэм Джонс «Дворняги» (2016), «Картирование интерьера» (2017), Майкл Шейбон «Невероятные приключения Кавалера и Клея» (2001), «Союз еврейских полисменов» (2019), норвежский писатель Эрленд Лу «Наивно. Супер», американская писательница Крис Краус с ее автобиографичными романами, Теджу Коул «Открытый город» (2012), Бен Лернер «Покидая станцию Аточа» (2011).

К течению Новая искренность, которые отличаются правдивостью, прямотой и чистосердечием, смешением культур и стилей, поиском подлинных смыслов можно отнести произведения таких авторов как американская писательница Сью Монк Кидд «Тайная жизнь пчел» (2002), «Изобретение крыльев» (2014), Книга желаний» (2020), американский писатель афганского происхождения Халед Хоссейни «Бегущий за ветром» (2003), «Молитва морю» (2018).
Американский писатель, отличающийся смешением жанров, Джонатан Летем «Крепость одиночества» (2003), «Дикий детектив» (2018), «Арест» (2020), британский писатель японского происхождения, лауреат Нобелевской премии по литературе 2017 года Кадзуо Исигуро «Никогда не отпускай меня» (2005), Погребённый великан (2015), английская писательница Зэди Смит «Собиратель автографов», «NW», «О красоте» (2005), английский автор романов Дэвид Митчелл «Черный лебедь, зеленый» (2006), «Авеню Утопия» (2020), американский писатель Филип Рот «Возмущение» (2008), «Немезида» (2010), канадский писательница Эси Эдугян «Блюз полукровки» (2011), «Вашингтон Блэк» (2018).
К метамодернистской литературе также можно отнести философские эссе Венди Штайнер «Проблемы с красотой», Элейн Скарри «О красоте и справедливости».

Среди писателей метамодернистов выделяют чилийского поэта и прозаика Роберто Боланьо («Загадка зла» 2007; «Третий рейх» (2010), а также американского писателя Джонатана Сафрана Фоера («Дерево кодов», 2010; «Вот я» 2016) и японского писателя Харуки Мураками.
В романах Харуки Мураками «Слушай песню ветра» (1979), «Дружище Квак спасает Токио» (2000), «1Q84» (2010), «Первое лицо единственное число» (2020) наложение метадискурсов, колебание между восточной и западной культурой, иронией и искренностью, реальным и сказочным.

Метамодернистская Поэзия
Новая искренность проявляется в американской поэзии, как контраст к холодной иронии постмодернизма. Ее представителями являются поэты Реб Ливингстон, Джозеф Мэсси, Эндрю Мистер и Энтони Робинсон, Дэвид Берман, Кэтрин Вагнер, Дин Янг, Мэтт Харт, Миранда Джулай, Тао Линь, Д. С. Чепмен, Фредерик Зайдель, Ариэль Гринберг, Карина МакГлинн и Мира Гонсалес, Стив Роггенбак, Сет Абрамсон.
Поэзия метамодернистских поэтов отличается колебанием, наложением, мерцанием, осциляцией между оптимистичной романтичностью и категоричной грубостью (Стив Роггенбак), восприимчивостью и сопротивлением, общением и установкой границ (Силла Маккуин «К Бену, у озера»), а также возвращением к смыслу, которые создаются просто ради самих себя и к почитанию здесь и сейчас (Дайна Хокен, «Вода, Листья, Камни»).
Сет Абрамсон, поэт-метамодернист, пишет: «Метамодернизм стремится сократить дистанцию, особенно дистанцию между вещами, которые кажутся противоположными друг другу, чтобы воссоздать чувство целостности, которое позволяет нам — в определенном смысле — выйти за пределы нашего окружения и двигаться вперед с целью создания позитивных изменений в наших сообществах и мире в целом».

Новозеландская исследовательница Александра Думитреску считала, что метамодернизм представляет собой новую парадигму в литературе, элементы которого проявляются в романах новозеландской писательницы Фионы Кидман «Дом внутри» (1997), «Бесконечный воздух» (2013), «Весь день в кино» (2016), «Этот смертный мальчик» (2018).
Элитарная художественная литература включает произведения таких авторов из Новой Зеландии, как Элизабет Нокс (Elizabeth Knox) «Смертельный огонь» (2013), «Пробуждение», «Абсолютная Книга» (2019), Элеонора Каттон Репетиция (2008), Светила (2013), Джиллиан Салливан «Запущенные и другие истории (2005), «Карта сердца - Очерки долины Ида» (2020), Том Кэнрой «Натуралист» 2014, «Соленый воздух» (2016), Энн Кеннеди«Последний день национального костюма»(2013), Хелен Рикерби «Как жить» (2019), писательница и поэтесса Эммы Нил «Приемный сын» (2011), Билли Берд (2016), поэтесса Дина Хокен (Dinah Hawken) «Где мы говорим, что мы находимся» (2000), «Одна красивая вещь» (2006).
К метамодернистской литературе можно отнести произведения австралийских писателей: «Музыка грязи» (2001), «Дыхание» (2008), Гнездо (2013) Тима Уинтона; «Мечта Проховника» (2005) Алекса Миллера, «Год чудес» (2001), «Люди книги» (2008) Джеральдин Брукс.
Одним из столпов новой готики является испанский писатель Карлос Руис Сафон, чьи книги «Тень ветра», «Игра ангела» и «Узник неба» впитали традиции готической прозы предромантической эпохи, приключенческой беллетристики Александра Дюма и раннего детектива в духе Эдгара Аллана По.
А также британской писательницы Дианы Сеттерфилд «Тринадцатая сказка», который продолжает литературные традиции сестер Бронте и Дафны Дюморье, а также произведения Фионы Э. Хиггинс, чьи романы, такие, как «Черная книга секретов», отсылают к классическому викторианскому роману Чарльза Диккенса.

5. Режиссёры Кино

В фильмах представителей метамодернизма присутствует прохладная отстраненность и даже отчуждение и в то же время, детская искренность и душевная теплота, драматизм и легкий юмор, циничность и простодушие, прозрачная простота и неясные фантастические образы, торжественность и ирония, детская непосредственность и серьезность тона, незатейливость и одновременно интеллектуальность повествования.
При этом в метамодернизме, как кинематографическом жанре, можно выделить такие отдельные направления:

1. «Новая искренность», представленная работами таких режиссеров, как Фил Олден Робинсон «Поле мечты» (1989), Кевин Костнер «Танцы с волками» (1990) и Стивен Спилберг «Крюк» (1991).
2. Реляционное искусство, к которому можно причислить режиссеров Эндрю Буджальски, Джо Сванберга, Джея и Марка Дюплассов.
3. «Quirky cinema» стиль, представленный в современном кинематографе в комедийных драмах. Данное направление, часто является синонимом метамодернизма в кино и связано с творчеством таких режиссеров как Уэс Андерсон, Спайк Джонз, Мишель Гондри, Жан-Пьер Жене, Ричард Кертис, Миранда Джулай, Чарли Кауфман, Александр Пейн, Джаред Хесс, Дэвид О. Рассел, Майк Миллс.

Самыми яркими представителями метамодернизма в кино являются:

1. Американский кинорежиссёр, сценарист и актёр Уэс Андерсон (Wes Anderson, род. 1969) чьи ленты «Королевство полной луны» (2012), «Отель „Гранд Будапешт“» (2015), «Остров собак» (2018)  становятся «классикой метамодернизма»  в области кинематографа.
В своих фильмах режиссер смело использует  библейские тропы, возвращается к большим нарративам, романтической целеустремленности главных героев, которые вызывают ироничное отношение у зрителя, одновременно заставляя его верить и сочувствовать.
«Королевство полной луны» – сказочный фильм включает в себя два мира, которые неизбежно пересекаются: мир детской наивности и искренности и мир взрослых людей, построенный на характерном для постмодерна отрицании всего.
Режиссер заставляет зрителей посмотреть на окружающую действительность глазами детей, поставить себя на их место и тем самим открыть для себя те ракурсы, которые ранее оставались невидимыми. Зрители погружаются в мир детей, слегка наивный, но по сути не менее логичный, нежели мир взрослых. 

2. Американский кинорежиссёр, сценарист и продюсер Спайк Джонс (Spike Jonze, род. 1969) известный по фильмам «Быть Джоном Малковичем» (1999), «Адаптация» (2002), «Я здесь» (2010), «Она» (2013).

3. Французский кинорежиссёр, лауреат премии «Оскар» Мишель Гондри (Michel Gondry; род. 1963) - «Вечное сияние чистого разума» (2004), «Наука сна» (2006), «Пена дней» (2013), а также видиоклипы и семь видео для певицы Бьорк. Как и у Андерсена, его почерк пропитан инфантилизмом, но в тоже время персонажи указанных фильмов пребывают в состоянии деструкции – отрицании себя или действительности.

4. Французский кинорежиссёр и сценарист Жан-Пьер Жене (Jean-Pierre Jeunet; род. 1953) — «Амели» (2001), «Неудачники» (2009), «Невероятное путешествие мистера Спивета»  (2013).

5. Британский кинорежиссёр Ричард Кертис (Richard  Curtis, род 1956) - «Дневник Бриджит Джонс» (2001), «Реальная любовь» (2003), «Девушка из кафе» (2005), «Бойфренд из будущего» (2013), «Свалка» (2014).

6. Американский сценарист и режиссер Чарли Кауфман  (Charles Stuart Kaufman; род. 1958) автор сценариев фильмов «Быть Джоном Малковичем» и «Вечное сияние чистого разума», а также сценарист и режиссер фильма «Аномализа» (2015).

7. Американский кинорежиссёр и сценарист Константин Пэйн (Constantine Payne, род. 1961), двукратный лауреат премии «Оскар» «На обочине» ( 2004), «Потомки» (2011) и «Небраска» (2013), «Короче» (2017).

8. Американский кинорежиссёр Дэвид Оуэн Рассел (David Owen Russell, род. 1958) - философский фарс «Взломщики сердец» (2004), «Мой парень — псих» 2012 и «Афера по-американски» (2013), «Джой» (2015). 

9. Американский режиссёр Пол Томас Андерсон  (Paul Thomas Anderson, род. 1970) - «Любовь, сбивающая с ног» (2002), «Мастер (2012), «Врожденный порок»  (2014), поставленный по одноименному роману Пинчона «Призрачная нить»  (2017).

10. Британский кинорежиссёр американского происхождения Терри Гиллиан (Terry Gilliam, род.1940), фильм «Страна приливов» (2005), «Воображариум доктора Парнаса» (2009), «Теорема Зеро» (2013), «Человек, который убил Дон Кихота» (2018).

11. Американская писательница Миранда Джулай (Miranda July, род. 1974) написала сценарий, выступила режиссером и сыграла главную роль в фильме «Я, ты и все, кого мы знаем» (2005).

12. Австралийский кинорежиссёр Крейг Гиллеспи (Craig Gillespie, 1 сентября 1967) - комедийная драма «Ларс и настоящая девушка» (2007), «Круэлла»  (2021).

К метамодернистскому кино можго отнести творчество таких американских режиссеров как Майк Миллс «Дурная привычка» (2005), «Начинающие» (2010), Николас Йасеновец романтическая комедия «Бумажное сердце» (2009), Колин Треворроу трагикомедийный фильм «Безопасность не гарантируется» (2012), Бен Стиллер, приключенческая трагикомедия «Невероятная жизнь Уолтера Митти» (2013), Шира Пивен чёрная комедия «Добро пожаловать ко мне» (2014), Джаред Хесс «Зачинщики» (2016), новозеландская писательница и режиссер Джейн Кэмпион Фильм «Ангел за моим столом» (1990).
К данному направлению можно отнести и сериалы Грега Дэниелса и Майкла Шурома «Парки и зоны отдыха» 
и Винса Гиллигана «Во все тяжкие» . 
Представитель американского независимого кино Дэвид Линч, фильмы которого, наполненные причудливыми образами и странными персонажами, относятся к искусству постмодернизма и метамодернизма «Синий бархат» (1986) наполнен одновременно отталкивающими и притягательными эпизодами, психоделическими и мистическими образами.

6. Музыка и музыканты

Музыку метамодерниизма характеризует (Настасья Хрущёва)
1. Повторяемость паттернов, ритуальная практика повторения, тиражируемость и самовоспроизводство, согласование постоянного и преходящего, медленность и интонационная усредненность, «дление» меланхолического аффекта и амбивалентных эмоций, длящиеся, повторяющиеся, длительно переживаемые статичные чувства.
В перфоменсах исландского художника и музыканта Рагнара Кьяртанссона —оркестр непрерывно играет мелодию, постоянно модулирующую в другие тональности, — так поддерживается и переосмысливается идея повторения.
2. «Новая простота», «детскость и дилетантизм», минимализм и минималистическое повторение.
Мелодическая и эстетическая простота, заигрывание с легкими музыкальными жанрами. Музыка композитора Жоржа Ленца, рождена из «полной тишины и радикальной изоляции - с очень реальным риском вообще ничего не услышать». Во второй волне минимализма — присутствует модус сентиментальности.
3. «Сакрализованная сентиментальность», ностальгичность, романтичность, отстраненность и «задушевность» интонаций. Сакрализованная сентиментальность как бесконечное повторение все более определенно проступающей темы кажется постепенно проступающими словами какого-то священного текста.
Ритуальное повторение сентиментальных формул определяет музыкальную композицию Canto ostinato, написанную голландским композитором Симеоном тен Хольтм, которая может рассматриваться как неосознанный манифест метамодерна.
Данная сентиментальность «подключает» постиронию, так как сегодня мы не в состоянии воспринимать сентиментальность со всей серьезностью.
4. Мерцание двойного аффекта меланхолия – эйфория, колебание между двумя противоположностями, между прямотой и иронией, осциллирующий характер выражения, стирание границ между сложностью и простотой.
5. Возрождение фольклорных традиций и архаики. «Эмбриональный» период существования музыки, когда — как в фольклорной традиции — каждый может в любой момент «подключиться» к единому коду. Зашифрованные песенность и танцевальность, выстраивание мелодии и гармонии из «отобранных временем» интонаций.
Холодная, отстраненная сентиментальность метамодерна слышна в «Sweet air» Дэвида Лэнга и других сочинениях группы «Bang on a Can», в многочисленных опусах Симеона тен Хольта, музыке Владимира Мартынова. (Анастасия Хрущова).

Метамодернистское искусство представляет музыка таких групп, как Arcade Fire, Future Islands, дуэт Coco Rosie, группа The Reivers, True Believers во главе с Алехандро Эсковедо и Джоном Ди Грэмом, Doctors Mob, Wild Seeds,Glass Eye.
Среди метамодернистский авторов - исполнителей выделяются американский музыкант и автор-исполнитель Дэниел Джонстон, американский певец и гитарист Билл Каллахан, американская певица, мультиинструменталистка Джоанна Ньюсом, британско-американская певица Энтони Хегарти, солистка группы Antony and the Johnsons.

В поп-музыке —Энтони Джонсон, Дивендра Банхарт, Рагнар Kьяртанссон, Марихен Данц, Роберто Боланьо, Дэйв Эггер,
в кантри-музыке Стерджилл Симпсон.
Участие в движении «Новая искренность» (New Sincerity) приписывалось панк-рокеру и автору Джесси Саблетту, который играл в группах Secret Six , Flex, а также с Кэти Валентайн и Келли Джонсон в Girlschool. Из современных исполнителей к данному движению относят таких музыкантов как Конор Оберст, Девендра Банхарт, Джоанна Ньюсом, Суфьян Стивенс, Айдлуайлд, Джон Мисти, Ривер Оккервил Остина, и Майкл Уоллер, а также Cat Power, Arcade Fire, Neutral Milk Hotel.
New Weird America, связан с такими группами как Holy Modal Rounders, Pentangle, The Incredible String Band, Donovan и Comus, The Shaggs, Roky Erickson и Jandek.
Автралийский современный композитор и звуковой художник Жорж Ленц. Его работы выражают ритмические и структурные узоры астрономии и искусства аборигенов и представляют «благоговейный и почти пугающий ответ на красоту и загадки мира». Его хоральные фрагменты всегда кратки и утопают в фактуре музыки, создавая впечатление чего-то «давно забытого».
Они наполнены все теми же фантастическими, инфантильными образами, которые иногда ироничны.  

 

 

 

 

 

 

Творческий Абсолют

Сайт о психологии творчества
------------------------------------------------------------------------------------------------------------

Творческие люди

Творческий Абсолют

Творчество

Креативный менеджмент

 

Тесты и материалы

Развитие остроумия

Творческая экзистенция

Работы авторов

 

Добавить работу

О проекте

Творчество в таблицах

Мифы о творении